Michael, Sie sind in Brooklyn aufgewachsen, nicht weit vom Vergnügungspark in Coney Island. Inwiefern hat dich dieser Hintergrund geprägt und deine spätere Arbeit beeinflusst?

Bis vor ein paar Jahren war mir nicht bewusst, welchen unglaublichen Einfluss das Aufwachsen in Brooklyn in den 50er und 60er Jahren auf mich hatte. Ich stieß auf ein altes Stereo-Dia, das mein Vater von meinem Bruder und mir im Coney Island Amusement Park aufgenommen hatte. Auf dem Foto waren hinter und um uns herum der Steeplechase "Pavillion of Fun", das Tilt-A-Whirl, der Wonderland Park und das Wonder Wheel zu sehen. Als ich dieses Foto sah, traf es mich wie ein Blitz, dass all die unglaubliche Beschilderung, die Schriftzüge, die Banner, die leuchtenden Farben - und einfach alles auf diesem Foto, Über , all diese ikonischen Bilder - irgendwie ihren Weg in meine Arbeit als Erwachsene gefunden hatten.

Mir wurde klar, dass meine Arbeit nur deshalb so aussieht, weil ich als Kind ständig mit einem unglaublichen visuellen Füllhorn konfrontiert - und oft davon umgeben - war. Ich könnte mir fast jede meiner Auftragsarbeiten, die ich im Laufe der Jahre gemacht habe, aussuchen, sie mir jetzt ansehen und eine direkte Verbindung zu dem visuellen Einfluss herstellen, den Coney Island in den 1950er und 1960er Jahren auf mich hatte.

Natürlich war es nicht nur Coney Island, das ich anführte, sondern auch die allgegenwärtige Baseball-Kultur in Brooklyn (durch die Dodgers) und auch meine häufigen Besuche am Times Square, wo mein Vater sein Büro hatte. Auch zu diesen beiden Gebieten könnte ich direkte Einflusslinien ziehen. Tatsächlich heißt einer der Vorträge, die ich seit etwa einem Jahr vor Studenten und anderen Gruppen halte, "It Began In Brooklyn" (Es begann in Brooklyn), in dem es darum geht, wie die Umgebung, in der man aufwächst, einen beeinflussen und auch als Erwachsener noch inspirieren kann - selbst wenn man sich dessen gar nicht bewusst ist.

Können Sie etwas zu Über Ihrer Kunst- und Designausbildung sagen? Wer oder was hat Sie in dieser Zeit am meisten inspiriert?

Auf jeden Fall! Zunächst einmal habe ich, soweit ich mich erinnern kann, gerne gezeichnet. Aber meine eigentliche Kunstausbildung begann in der High School bei zwei Lehrern: Albert Sarney und einem jungen Lehrer namens Sol Schwartz. Sol war derjenige, der wirklich etwas in mir sah und mich unglaublich ermutigte - bis zu dem Punkt, dass er meine widerstrebenden Eltern davon überzeugte, dass ich auf die Cooper Union gehen sollte Anwenden . Ich stehe heute noch in Kontakt mit Sol. Ich verdanke diesem Mann eine Menge!

Bei Cooper gab es zwei Lehrer, die für mich sehr einflussreich waren. Der erste war Robert Haas, ein Wiener Typograf, der vor dem Krieg in die USA gekommen war. Ich wurde nach der Schule eine Art Lehrling bei ihm in The Ram Press - seiner Schriftgießerei und Druckerei in der West 26th St. Der andere war George Salter, ein in Deutschland geborener Kalligraph, Buchumschlag- und Zeitschriftencover-Designer, der versuchte, diesem wirklich schlechten Schüler das beizubringen, was er wusste Über calligraphy.

Es gab noch einen weiteren außerschulischen Einfluss, der zu dieser Zeit auf mein Gehirn einwirkte. Das war Mitte bis Ende der 60er Jahre, und ich lebte in der Nachbarschaft der Cooper Union, dem "East Village" von Manhattan. Das ganze Phänomen der Gegenkultur begann gerade, und dieses Viertel war so etwas wie der "Ground Zero" dafür. Besonders im Gedächtnis geblieben sind mir die "psychedelischen" Plakate jener Zeit - insbesondere die von Victor Moscoso, Stanley Mouse & Alton Kelley und Rick Griffin. All ihre phantasievollen Arbeiten haben mich umgehauen und gezeigt, dass man sich nicht unbedingt durch konventionelle Typografie einschränken lassen muss. Ich erinnere mich, dass ich die Wände meiner Wohnung in East Village mit diesen Postern tapeziert habe!

Sie haben schon früh mit Ed Benguiat und Photo-Lettering zusammengearbeitet. Wie haben Sie diesen Job bekommen? Waren Sie sofort von der Gestaltung von Displays Font angetan?

Während meines Studiums an der Cooper Union gab es ein Typografie-Projekt, bei dem es darum ging, eine Font zu entwerfen. Da ich ziemlich "rebellisch" war, entwarf ich eine Font , bei der ich die Positionen der Dick- und Dünnstellen umkehrte (nur um anders zu sein). Das Ergebnis war nicht besonders schlecht, und jemand schlug mir vor, es bei Photo-Lettering einzureichen. Das habe ich getan, und aus irgendeinem seltsamen Grund haben sie es akzeptiert. Ich hatte ihm noch nicht einmal einen Namen gegeben, also haben sie es für mich benannt: "Doret Shaded". Im Moment denke ich, dass dieser Entwurf irgendwie peinlich ist, aber ich war ja auch nur ein Student! Ich glaube, ich habe insgesamt Über $12 an Tantiemen von diesem Font verdient ($1,00 pro Wort). Ich frage mich immer noch, wer es war, der den Satz "Doret Shaded" tatsächlich bestellt hat.

Die meisten Leute denken, dass dies etwas damit zu tun hatte, dass ich bei Photo-Letting als Assistent von Ed Benguiat gearbeitet habe. Aber das eine hatte nichts mit dem anderen zu tun. Ich bekam diese Stelle aufgrund einer Empfehlung eines Freundes meiner Eltern, der jemanden kannte, der bei Photo-Lettering arbeitete - reiner Zufall.

Die Arbeit bei Benguiat war also mein erster richtiger Job nach meinem Abschluss an der Cooper. Ed hat mir fast alles beigebracht, was ich heute weiß Über , wie man Buchstabenformen zeichnet. Tatsächlich habe ich die Techniken, die er mir gezeigt hat, so lange angewendet, bis ich vor etwa 15 Jahren von Feder und Tinte auf digitale Medien umgestiegen bin. Das, woran ich bei Photo-Lettering gearbeitet habe, war in keiner Weise Über display Font design. Was Ed dort leitete und womit ich ihn unterstützte, war die maßgeschneiderte Gestaltung von Schriftsätzen für Kunden, die mehr als nur typografische Ausdrucke wollten. Wir bekamen das Material von der Satzabteilung auf Film, und je nachdem, was benötigt wurde, schnitten wir es auseinander, fügten Teile hinzu oder löschten sie, und manchmal zeichneten wir Teile fast komplett neu, um ein Stück Schrift zu schaffen, das eine Mischung aus Satz und Handlettering war. Vielleicht waren es meine Erfahrungen mit dieser Arbeit, die mich auf den Weg zum Handlettering brachten, lange bevor ich überhaupt daran dachte, in die Welt des Display-Designs Font einzusteigen.

Die 1970er Jahre in New York müssen ein Goldenes Zeitalter der handgerenderten Illustration und des Schriftdesigns gewesen sein. Was haben Sie aus dieser "Szene" mitgenommen?

Bis Über 2003 hatte ich nicht wirklich etwas mit Schriftdesign zu tun. Alle meine Freunde und fast alle, die ich kannte, waren in der Welt der Illustration tätig, einige auch im Grafikdesign. Dort, wo sich mein Studio befand, in den East 20s in Manhattan, waren wir buchstäblich von vielen bekannten Illustratoren umgeben. Zunächst teilte ich mir mit Charles White III und Doug Johnson ein Atelier und arbeitete mit ihnen zusammen, dann mit Jim McMullan und schließlich mit Doug Taylor. Lou Brooks, Elwood Smith, Doug und ich hingen alle zusammen ab. Damals herrschte dort so etwas wie ein Illustratoren-Ghetto. Es ist kein Wunder, dass, obwohl ich von Buchstabenformen fasziniert war, meine Arbeit immer illustrativer wurde und Elemente von Schrift, Illustration und Grafikdesign miteinander verband. Als ich anfing, diese Art von Kunstwerken zu schaffen, war ich, soweit ich weiß, der Einzige, der dies tat. Ich glaube, obwohl ich mit Tom Carnase gut befreundet war, war meine Arbeit in gewisser Weise eine Reaktion auf die traditionellere Designschule, mit der seine Arbeit in Verbindung gebracht wurde(Herb Lubalin und andere). Obwohl ich es damals nicht wusste, glaube ich, dass ich eine neue Kategorie geschaffen habe - und ich weiß immer noch nicht, wie ich diesen Teil meiner Arbeit nennen soll!

Ihre charakteristische Art der Illustration in Kombination mit einer logo-ähnlichen Typografie zeigt eine sehr eklektische Bandbreite an Referenzen. Abgesehen von den Bildern aus Ihrer Kindheit, die Sie bereits erwähnt haben, was sind Ihre wichtigsten Einflüsse?  

Das ist nicht so einfach zu beantworten, denn ich habe mir schon immer ein sehr breites Spektrum an Material angesehen. Aber ich denke, der rote Faden, der sich durch alles zieht, ist folgender: Oft stellt sich heraus, dass das Material, das ich mir ansehe, nicht von klassisch ausgebildeten Designer oder vom Mainstream geschaffen wurde. Ich habe eine große Affinität zur amerikanischen Popkultur - nicht nur zu der Zeit, in der ich aufgewachsen bin, sondern auch zu der Zeit, die ein oder zwei Jahrzehnte zurückliegt. Ich habe das Gefühl, dass es dort eine große visuelle Tradition gibt, die von vielen ignoriert wird, die traditionelles typografisches Design studieren und die dieses Studium sehr ernst nehmen. Die Dinge, die ich mir am häufigsten ansehe, um mich zu inspirieren, sind meist so genannte Vintage-Ephemera: Streichholzbriefchen, Textilien, Buch- und Zeitschriftenumschläge, Plakatmarken, Theaterzelte, Postkarten, Automobile, Plakate, Comic-Hefte, Beschilderungen - buchstäblich fast alles, was man als amerikanische Volkstypografie aus einer früheren Zeit bezeichnen könnte. Und ich suche vor allem nach Typografie, die "falsch" gemacht ist, bei der die Person, die sie geschaffen hat, vielleicht die "Regeln" nicht kannte und daher keine Angst hatte, sie zu brechen.

Ungeachtet all dessen, was ich oben gesagt habe, werde ich mir gleich selbst widersprechen. Es gibt viele anerkannte Designer (von denen die meisten bereits verstorben sind), deren Arbeiten ich ständig zur Inspiration heranziehe. Dazu gehören solche Koryphäen (sowohl amerikanische als auch internationale) wie Lucian Bernhard, Otis Shepard, E. McKnight Kauffer, Tom Purvis, Joseph Binder, A.M. Cassandre und Jean Carlu. Natürlich darf ich auch Morris Fuller Benton und Alex Steinweiss nicht unerwähnt lassen, deren Arbeiten ich in DeLuxe Gothic und in Steinweiss Script gewürdigt habe. Und es gibt noch viele, viele mehr, bekannte und unbekannte - viel zu viele, um sie hier aufzuzählen.

Sehnen Sie sich manchmal nach dem "goldenen Zeitalter" der amerikanischen Werbegrafik und des Letterings?

Was als "Goldenes Zeitalter" gilt, hängt davon ab, wen Sie fragen. Manche würden sagen, die 60er und 70er Jahre. Ich, das können Sie sich denken, würde sagen, die 30er und 40er Jahre. Das war eine Zeit unglaublicher Kreativität und Erfindungen. Das ist die Zeit, in der ich mich am häufigsten inspirieren lasse. Aber ich bin nicht "nostalgisch", weil ich sie nie aus erster Hand erlebt habe. Ich habe diese Zeit um mehrere Jahrzehnte verpasst. Aber wissen Sie, was "Nostalgie" angeht, so denke ich, dass die Dinge immer so aussehen, als wären sie in Tagen vergangenen Zeiten besser gewesen. Wenn ich an Über denke, haben meine Eltern - die in den 30er und 40er Jahren lebten - sehr harte Zeiten durchlebt: die Große Depression, gefolgt vom Zweiten Weltkrieg. Ich würde diese Zeiten nicht noch einmal erleben wollen, aber ich liebe die Grafiken, die daraus entstanden sind. Ich glaube, wir erleben gerade eine aufregende Zeit für Schriftzüge und Typografie. Ich sehe, dass jüngere Leute sich sehr dafür interessieren, und ich sehe viel Energie in diese Richtung fließen. Viele ihrer Arbeiten sind sehr aufregend. Wir Mai treten in ein neues "goldenes Zeitalter" ein, aber wir Mai wissen es nicht mit Sicherheit, bis es vorbei ist.

Ich nehme an, dass Vektorgrafik-Software wie Adobe Illustrator für Ihre Art von Arbeit ein wichtiges Produktionswerkzeug ist. Haben Sie diese Software sofort nach ihrem Erscheinen übernommen, und hat sie Ihnen das Leben erleichtert? Erstellen Sie manchmal auch Grafiken ohne Computer (oder würden Sie es vorziehen)?

Ja, mehr als jede andere Anwendung verwende ich Adobe Illustrator und Adobe Photoshop. Ich habe sie nicht gleich zu Beginn genutzt, weil ich meinen ersten Mac erst 1995 bekommen habe. Ich glaube, dass Illustrator 5.0 die erste Version von Illustrator war, mit der ich angefangen habe. Viele meiner Freunde waren frühe Nutzer des Mac und von Grafiksoftware, aber ich glaubte nicht, dass man damit so anspruchsvolle Grafiken erstellen konnte, wie ich es mir gewünscht hätte. Es war meine Frau, die Illustratorin Laura Smith, die mich schließlich davon überzeugen konnte, dass ich mir besser einen Mac zulegen sollte. Also kaufte ich mir einen, besuchte ein Wochenendseminar über Adobe Illustrator am American Film Institute und kehrte nie wieder zurück. Ich liebe es tatsächlich, digital zu arbeiten. Es gibt mir viel mehr Flexibilität, als ich jemals zuvor hatte, als ich mit Stift und Tinte arbeitete. Ich kann meine Ergebnisse sofort sehen, während ich früher, wenn ich mit vorseparierten Bildern gearbeitet habe, normalerweise warten musste, bis meine Bilder gedruckt waren, bevor ich sie in voller Farbe sehen konnte. Trotzdem mache ich die meisten meiner Vorarbeiten immer noch auf die altmodische Art - mit Bleistift und Papier. Aber ich muss es nicht mehr so weit treiben wie früher. Ich kann die Vorarbeiten viel lockerer angehen und dann die Feinabstimmung am Computer vornehmen.

Als Designer von digital Fonts sind Sie ziemlich spät auf den Zug aufgesprungen - im Jahr 2002. Was hat Sie zu diesem Schritt bewogen, und was waren Ihre größten Überraschungen, nachdem Sie mit Alphabet Soup begonnen hatten?

Wie ich bereits erwähnt habe, habe ich mein erstes "Font" erstellt, als ich noch Student an der Cooper Union war. Aber ich habe das Font nie sehr ernst genommen. Dann, um 1972, ganz am Anfang meiner freiberuflichen Karriere, arbeitete ich mit Charles White III an Grafiken für eine Merchant Ivory Filmproduktion namens "Savages". Für den Abspann und die Titel dieses Films entwarf ich ein "Ultra Deco" Font , das für den Satz auf Typositor vorbereitet wurde. Das war mein erster richtiger Ausflug in das Font Design. Aber nach allem, was ich gehört hatte, war es damals nicht so einfach, für das Design von Font angemessen bezahlt zu werden, so dass Font nie kommerziell veröffentlicht wurde. Aber 2009 beschloss ich, dass mir das, was ich für den Filmabspann gemacht hatte, immer noch gefiel, also grub ich meine Originalzeichnungen aus, digitalisierte sie und veröffentlichte sie als Grafika. Ich denke immer noch, dass es ein gutes Design ist.

Aber zurück zu den Geschehnissen im Jahr 2002... Laura und ich waren in Frankreich, und ich habe auf einem Pariser Flohmarkt ein altes, eingebranntes Emailleschild entdeckt. Es war ein Schild für Gevaert Photo, und es hatte eine interessante Schrift im Logo. Aus irgendeinem Grund war ich von dieser Schrift fasziniert und begann, einige Buchstabenformen zu skizzieren, die dem Geist des Schildes entsprachen. Irgendwie spielte ich im Laufe der Nächste Monate immer wieder mit diesen Formen. Anfang 2003 lernte ich dann Stuart Sandler kennen, der hier in Los Angeles zu Besuch war. Er überzeugte mich, dass die Herstellung von Fonts sowohl kreativ befriedigend als auch lukrativ sein könnte, und ermutigte mich, mit der Gestaltung von Fonts zu beginnen. Ich zeigte ihm, womit ich herumgespielt hatte, aber er war nur lauwarm Über und sagte, er sei sich nicht sicher, ob es mehr als nur begrenzten Anklang finden würde. Aber ich beschloss, es trotzdem weiterzuentwickeln, indem ich es in Illustrator zeichnete und dann in Fontographer importierte. So wurde dieses Design, das von einigen Formen inspiriert war, die ich auf einem eingebrannten Emailleschild gefunden hatte, zu meiner ersten digitalen Font - Orion MD.

Als ich mich entschloss, mein eigenes digitales Font Design zu entwerfen, dachte ich, dass es wirklich einfach sein würde, wenn man bedenkt, wie viel Erfahrung ich im Laufe der Jahre mit Buchstabenformen gemacht hatte. Die große Überraschung für mich war, dass ich Recht hatte - aber ich lag auch sehr falsch. Ich denke, dass mich die Erfahrung, die ich beim Erstellen meiner eigenen Buchstabenformen gesammelt habe, von den meisten anderen Font Designer unterscheidet. Ich war in der Lage, eine ganz andere Ästhetik in meine neue digitale Schriften einzubringen, nachdem ich mich all die Jahre in einem ganz anderen Bereich bewegt hatte. Aber ich hatte nicht erkannt, dass die Fähigkeit, Buchstaben zu schreiben, mir zwar einen Vorsprung verschaffte, dass aber Font Design etwas ganz anderes war als Handlettering, und dass es eine Menge Dinge gab, die ich nicht kannte und von denen ich wirklich keine Ahnung hatte Über. Es war also eine ziemlich lange Lernkurve für mich. Zum Glück hatte ich die Unterstützung, den Rat und die Ermutigung einiger großartiger Leute - Stuart Sandler (mein "Font guru"), dann Mark Simonson und Patrick Griffin.

Für einen Designer, der immer seine eigenen Buchstabenformen verwendet hat, muss es eine ganz besondere Erfahrung sein zu sehen, wie andere Designer mit Ihrer Schriften umgehen. Wie war es bisher, Ihre Fonts in Gebrauch zu sehen?

Nun, sie sind wie meine Kinder. Aber wie bei Kindern muss man ab einem bestimmten Punkt loslassen und sie in die Welt hinausschicken. Sie werden das sein, wozu sie bestimmt sind. Man mag nicht immer mögen, was sie tun, aber man ist immer stolz auf sie. Ich habe einige wunderbare und kreative Anwendungen gesehen, die mit einigen meiner Entwürfe gemacht wurden, und wenn ich das tue, blogge ich gerne Über - so wie ich es für den Auftritt von Metroscript in The Incredible Hulk, eine Schweizer Verwendung von Metroscript und eine spanische Verwendung von Grafika getan habe. (Ich würde jeden, der dies liest, ermutigen, mir seine Entwürfe zu schicken, die meine Fonts verwenden.) Ich war auch Zeuge einiger Behandlungen, die ich gerne vergessen würde. Eine Sache, die ich gerne tun würde, ist, den Leuten zu empfehlen, die Nutzer's Guides zu lesen, die ich für jede meiner Veröffentlichungen auf Font vorbereite. Darin gibt es Tipps für die richtige Verwendung von Fonts, Tipps für den Zugriff auf bestimmte OpenType-Funktionen und einige Do's and Don'ts. Die Fehler, die ich am häufigsten sehe, stammen eindeutig von denjenigen, die das Handbuch nicht gelesen haben und nicht wissen, wie man auf die OpenType-Funktionen zugreift - Fehler, die leicht vermeidbar wären. Ich habe das Gefühl, dass die Font Nutzer in diesen Fällen nicht das bekommen, was sie von der Font erwarten. Aber alles in allem war es für mich eine ziemlich ungewöhnliche und erfreuliche Erfahrung zu sehen, was andere Designer mit meiner Fonts machen.

Was war für Sie die befriedigendste Erfahrung als Schriftgestalter?

Das ist eigentlich eine Fortsetzung Ihrer letzten Frage... denn wie ich schon sagte, ist es eine neue Erfahrung für mich, wenn ich sehe, wie meine Entwürfe kreativ und auf neue und unerwartete Weise verwendet werden, und das kann sehr befriedigend sein.

Was ich auch als wirklich befriedigend für mich bezeichnen würde, ist die Zusammenarbeit mit anderen wie Stuart, Mark und Patrick. Sie haben mir geholfen, die Grenzen dessen, was mit Font möglich ist, zu erweitern. Ob es nun die Arbeit war, mit der Mark mir bei Metroscript geholfen hat, die geduldige Anleitung, die Stuart mir immer gegeben hat, oder die OpenType-Programmierung, die Patrick sowohl bei Deliscript als auch bei Steinweiss Script so fachmännisch durchgeführt hat, die Zusammenarbeit mit anderen war immer die fehlende Zutat in meiner Karriere als Auftragsarbeiter.

Sie müssen über ein großes Arsenal an Buchstabenformen verfügen, die Sie irgendwann zu Fonts machen könnten. Wie entscheiden Sie, woran Sie zuerst arbeiten?

Ja, ich habe im Laufe der Jahre eine Menge Arbeit geleistet. Aber es gibt Mai viel weniger Arbeiten, die auf Font anwendbar wären, als man meinen könnte. Bei vielen meiner Arbeiten liegt das Interesse nicht so sehr an den Buchstabenformen selbst, sondern vielmehr an der Art und Weise, wie das ganze Werk zusammengesetzt ist.

Ich gebe Ihnen ein Beispiel: Mein Tribeca Film Festival Design ist definitiv ein Schriftzug, aber wenn Sie sich die spezifischen Buchstabenformen ansehen, gibt es nichts Ungewöhnliches Über , das darauf schließen ließe, dass sie einen interessanten Font abgeben würden. Sie sind so etwas wie allgemeine Blockbuchstaben. Normalerweise untersuche ich bei solchen Problemen die Beziehungen zwischen bestimmten Buchstaben in bestimmten Wörtern, stelle fest, was an Über dieser Buchstabenfolge ungewöhnlich ist, und versuche, ein Design zu entwerfen, das diese besonderen Eigenheiten ausnutzt. Mein Logo für General Amusements ist ein weiteres Beispiel dafür. Das ist das Gegenteil von Font , bei dem man die Buchstaben in einer geraden Linie aneinander reiht und dafür sorgen muss, dass jede einzelne Buchstabenkombination gut zusammen aussieht.

Aber es gibt definitiv Arbeiten, aus denen ich schöpfen kann. Das Problem besteht darin, nicht nur zu wissen, welche Stile sich für eine neue Schrift eignen, sondern auch, welche Stile kommerziell tragfähig sind. Ich möchte nicht so käuflich erscheinen, aber die Erstellung eines Font ist für mich immer ein monatelanger Prozess. Ich bin mit Leib und Seele dabei, aber ich kann es mir nicht leisten, so viel Zeit in eine Sache zu investieren, wenn ich nicht das Gefühl habe, dass sie eine Chance hat, Verkaufen gut zu werden. Aus diesem Grund ist meine Font Produktion so viel geringer als die anderer Designer - in einem Jahr veröffentliche ich vielleicht nur ein oder höchstens zwei Designs. Bevor ich Metroscript gründete, hatte ich Stuart verschiedene Arbeiten von mir gezeigt. Dazu gehörten eines meiner Cover für das TIME Magazine "The Selling of America" und mein Coverdesign für das Scorebook der Toronto Bluejays. In beiden Arbeiten hatte ich eine Art 40er-Jahre-Schriftdesign verwendet, das ich mir ausgedacht und schon oft in meiner Arbeit eingesetzt hatte. Stuart war sofort Feuer und Flamme für diese Schrift und meinte, wenn ich herausfände, wie ich sie in eine Font verwandeln könnte, würde sie sich gut machen. Damit hatte er absolut Recht. Aber er hatte viel mehr praktische Erfahrung als ich mit dem Verkauf von Fonts und konnte einen Gewinner erkennen, wenn er ihn sah. Zu diesem Zeitpunkt konnte ich das nicht. Aber seitdem habe ich wohl ein besseres Gespür dafür entwickelt, was kommerziell überleben könnte.

Ein Beispiel dafür, dass ich das besser verstanden habe, ist Steinweiss Script. Dieses Projekt begann mit einem Auftrag für die Beschriftung des Covers des großen Taschenbuchs, das die Geschichte der Arbeit von Alex Steinweiss aufzeichnete. Nachdem ich den Schriftzug für Taschen gemacht hatte, hatte ich das Gefühl, dass eine Schrift im Geiste der Steinweiss'schen Kalligrafie, wenn sie richtig gemacht wird, eine große Anziehungskraft haben könnte. Ich beriet mich mit Stuart darüber, und er stimmte mir im Wesentlichen zu, obwohl wir ein paar Differenzen bei der Umsetzung des Designs hatten. Ich bin sehr zufrieden mit dem Ergebnis und habe das Gefühl, dass ich Mai endlich so gut kenne, dass ich mir einreden kann, dass ich weiß, was ich tue.

Was ist Nächste für Alphabet Soup im Jahr 2011 und darüber hinaus?

Nun, Sie würden von mir erwarten, dass ich sage, dass ich mir neue, innovative Fonts ausdenken werde - und das ist absolut meine Absicht. Aber ich fange auch an, darüber hinaus zu denken: Ich möchte den Rahmen von Alphabet Soup erweitern, um die Arbeit anderer einzubeziehen. Ich suche nach Designer mit frischen Ideen, die mit mir eine gemeinsame Sichtweise und einen gemeinsamen Sinn für Ästhetik teilen, und Über , dessen Schrift Entwürfe ich vielleicht sagen kann: "Ja, das sieht aus wie ein Alphabet Soup Font". Ich würde nicht erwarten, dass ihre Arbeit eine Kopie meiner Arbeit ist, sondern dass sie irgendwie mit meiner Vision von Design übereinstimmt. Hilfe Ich denke, das ist eine Sache, die ich tun kann, um meine Font "Marke" in das nächste Jahrzehnt zu bringen und sie frisch zu halten. Frische Suppe!

Noch eine Sache, die ich hier erwähnen möchte - und ich hoffe, ihr haltet das nicht für schamlose Werbung: Ich werde am 4. März einen kostenlosen Vortrag am Art Institute of California in LA halten. Alle, die daran interessiert sind, können die Einzelheiten auf der Nachrichtenseite unter Webseite erfahren.

Ich wünschte, wir könnten in dieser Nacht in LA sein. Danke für eure tollen Geschichten und Einblicke!