Sie sind in Oberndorf geboren und aufgewachsen und haben beide in London Grafikdesign am Camberwell College of the Arts studiert. Wie kam es dazu Über?

NICOLE: Ursprünglich wollte ich Kunstlehrerin werden. Aber ich fühlte mich nicht sehr wohl mit dem Lehrplan, Er war sehr breit angelegt und umfasste Dinge wie Perspektive und Töpfern. Also brach ich das Studium ab und setzte mich für sechs Monaten hin, um an einer neuen Mappe zu arbeiten. Ich wurde an der Staatlichen Akademie der Bildenden Künste in Stuttgart angenommen, um Illustration zu studieren. Einer meiner Lehrer war Heinz Edelmann [berühmt durch Yellow Submarine ]. Ich glaube, er war insofern einflussreich, als er mein Interesse am Minimalismus geweckt hat - eine Idee auf ihren Kern zu reduzieren, anstatt schöne Bilder mit vielen Details zu zeichnen.

Inzwischen war Petra nach Großbritannien gegangen, um Schuhdesign zu studieren. Als ich zu Besuch kam, gefiel es mir dort sehr gut und ich vereinbarte, ein Jahr lang als Austauschstudentin am Camberwell College of the Arts Grafikdesign zu studieren.

PETRA: Obwohl ich bestimmte Aspekte des Schuhdesigns sehr mochte, fühlte ich mich nicht wohl bei der Verfolgung einer Karriere in der Modewelt zu verfolgen. Nach Abschluss meines Studiums bewarb ich mich also am Camberwell College und wurde für einen Studiengang in Grafikdesign angenommen. Ich hatte bereits ein Jahr Berufserfahrung in einer Werbeagentur gesammelt, wo ich zum ersten Mal mit einem Apple-Computer gearbeitet hatte - was mir sehr gefiel. Dies war ein weiterer Grund, warum ich Grafikdesign bevorzugte. Damals wurden im Schuhdesign noch keine Computer verwendet, was mir ein wenig altmodisch vorkam.

Was waren die wichtigsten Dinge, die Sie am Camberwell College gelernt haben?

NICOLE: Unser einflussreichster Lehrer dort war wahrscheinlich Dirk Van Dooren von der Designgruppe Tomato. Dirk ermutigte uns, uns auf unsere persönlichen Interessen und Ideen zu konzentrieren, ein Projekt auf Stil ausdrucksstark und individuell zu gestalten und nicht Moden zu folgen. Es gab viel Freiheit. Stuttgart, wohin ich zurückkehrte, um meinen Abschluss zu machen, war ganz anders, sehr werbeorientiert. Deine Arbeit musste glatt aussehen.

Nach dem Studium haben Sie beide Arbeit in Berlin gefunden.

Ja, wir wollten unbedingt in Berlin leben; Es fühlte sich wie ein so aufregender Ort an. So machte ich 1996 mit meiner Illustrationsmappe die Runde durch die Berliner Agenturen. Aber da alle Studios sehr klein waren – meist nur zwei Leute – schien es unmöglich, einen Job zu finden. Dann lesen wir einen Artikel Über diese brandneue interaktive Designfirma namens Pixelpark. Sie hatten nicht viele ausgebildet Designer Anwenden — sehr wenige Grafiken Designer haben damals über eine Karriere in den digitalen Medien nachgedacht – und sie haben uns beide eingestellt. Wir entwarfen interaktive CD-ROMs für Rockbands und begannen mit dem Webdesign. Wir haben Projekte für große Kunden, darunter Banken, mit Teams von vielleicht zwei oder drei Personen durchgeführt. Es hat damals großen Spaß gemacht, für das Web zu entwerfen, es war alles so neu! Es gab noch keine Regeln, und da Designer Wir waren im Grunde genommen Nutzer Interface-Designer, Informationsarchitekt und Art Director in einem.

Unsere Erfahrungen bei Pixelpark haben uns viele Türen geöffnet, als wir im Jahr Nächste zurück nach London zogen - was wir schon immer wollten. Petra ging zuerst und arbeitete bei MTV, SYZYGY, Oven Digital und der BBC. Sie war Teil des ursprünglichen Teams beim Start von BBC News Online, was sehr aufregend war.

Was macht London für Sie so attraktiv?

Um es ganz offen zu sagen: Man bekommt immer einen Tritt in den Hintern! Es gibt eine enorme kulturelle Vielfalt und sie verändert sich ständig. Man kann nicht stillstehen, sondern muss sich ständig bewegen, weil man muss. Und es ist teuer, hier zu leben, also muss man weiterarbeiten.

Warum haben Sie sich entschlossen, gemeinsam ein eigenes Unternehmen zu gründen?

wir hätten geredet Über Wir haben eine Zeit lang zusammen aufgebaut und einige Projekte zusammen gemacht, noch bevor wir Kapitza gegründet haben. Wir haben gemerkt, dass wir sehr gut zusammenarbeiten. Als wir schließlich das Gefühl hatten, dass es immer weniger kreative Freiheit in unseren Jobs gab, beschlossen wir, es zu versuchen und kapitza zu gründen. Das Webdesign, wie wir es von Anfang an kannten, hatte sich stark verändert. Informationsarchitektur und Nutzer Experience Design übernahm viele der Aufgaben, die die Grafik Designer in der Gestaltung neuer Medien zu tun. Der Job des Designers fühlte sich immer mehr wie das Ausmalen an – man wurde eingestellt, um "die Dinge schön aussehen zu lassen". Sie durften keine wichtigen Designentscheidungen mehr treffen.

Seit seiner Gründung im Jahr 2003 hat sich das Studio Kapitza mit der Gestaltung von Büchern und Ausstellungen beschäftigt, sich aber nach und nach auf die Erstellung von Bildern spezialisiert Fonts mit abstrakten Formen und Silhouetten. Wie hat sich das entwickelt?

Unsere Arbeit an konturierten Formen begann mit einer Serie von Blumenbildern. Wir haben schon immer Blumen und Pflanzen fotografiert, und für diese Bilder haben wir einige von ihnen am Computer in Umrisse umgewandelt. Diese wurden dann auf Leinwände übertragen und von Hand mit einer einzigen Farbe ausgemalt. Es waren einmalige Gemälde, die wir für uns selbst gemacht haben; wir hatten nie die Absicht, sie auf Verkaufen zu veröffentlichen oder sie als Serie zu produzieren. Es war ein selbst initiiertes Projekt, das durch unser Interesse an der Schönheit organischer Formen - dieser unregelmäßigen, aber sehr kraftvollen Linien - motiviert war.

Dann kam die Ausstellung über William Morris in der Whitworth Gallery in Manchester. Der Kurator, David Mabb, kannte uns von früheren Projekten und bat uns, den Katalog zu gestalten. Wir wurden gebeten, ihn mit unseren eigenen Stil zu illustrieren und dabei Morris' Werk als Quelle für eine zeitgenössische Interpretation zu verwenden. Also recherchierten wir seine Textildesigns und zeichneten verschiedene Blumenmuster und andere Elemente nach.

Ihr drittes und größtes Projekt, das auf dem Konzept der organischen Silhouetten basiert, war für ein anderes von David Mabb kuratiertes Kunstprojekt - eine Ausstellung mit dem Titel Death Is Part Of The Process. Sie entwarfen ein 11,5 Meter langes Wandbild mit Bildern, die sich auf das Thema Sterblichkeit in der Ausstellung bezogen.

Das Werk "Cycle" wurde von den Vanitas- oder "Memento mori"-Gemälden aus der Barockzeit inspiriert. Dabei handelt es sich um Stillleben, die über Tod und Vergänglichkeit meditieren und Symbole wie Totenköpfe, leere Gläser und verwelkte Blumen verwenden. Wir waren schon immer fasziniert von der Komplexität und der Tiefe dieser Gemälde. Man kann sie ewig betrachten und immer wieder neue Dinge entdecken. Deshalb haben wir uns vorgenommen, unser eigenes modernes 'Memento mori' zu schaffen und Bilder von Menschen, Tieren und Pflanzen zu einem Werk zu kombinieren Über Lebenszyklen. Wir haben sehr persönliche Bilder verwendet, was dem Ganzen sehr viel Kraft verliehen hat.

Zuerst versuchten wir es mit einfachen farbigen Scherenschnitten, aber dann wurde uns klar, dass das zu flach und zu trostlos wäre. Das Thema der Ausstellung war so ernst... Wir hatten das Gefühl, dass wir etwas brauchten, das mehrere Ebenen hat und offener für Interpretationen ist, damit die Betrachter selbst eine Bedeutung darin finden können. Also griffen wir auf die Fotografien zurück, die wir für die Umrisse verwendet hatten, von denen viele in der Umgebung unseres Wohnortes im Londoner East End und in Deutschland aufgenommen worden waren. Wir fügten sie in das Kunstwerk ein, so dass das Ergebnis vielschichtig war: Man hatte Bilder in Bildern.

Es war total aufregend, in einem so großen Maßstab zu arbeiten. Tatsächlich haben wir seither nach einer Gelegenheit gesucht, ein weiteres Wandbild zu gestalten. Die Größe der Installation bedeutete, dass das Kunstwerk den Betrachter "umgab", und wir erhielten viele positive Rückmeldungen von Menschen, die sehr bewegt waren.

Und so haben Sie erkannt, dass das Konzept der Scherenschnittbilder für Sie sehr gut funktioniert.

Ja. Wir hatten viele, viele Umrisszeichnungen von Menschen und Pflanzen nach Fotos aus unserer Nachbarschaft angefertigt. Vor allem die Silhouetten der Menschen waren sehr aufregend: Sie waren so prägnant, dass man den Charakter der einzelnen Personen wirklich erkennen konnte. Also haben wir uns gefragt: Was können wir damit machen?

Wir hatten die Idee, die Silhouetten dieser Menschen zu verwenden, um ein Porträt der einzelnen Gebiete zu erstellen. Wir arbeiten im East End, und die Kontraste zwischen einer Gegend und der Nächste sind enorm. Ein Ort wie die Brick Lane ist nur zehn Minuten Fußweg von unserem Standort entfernt, aber das Straßenleben hat einen ganz anderen Charakter. Also haben wir angefangen, diese Silhouetten zu verwenden, um jedes Viertel zu porträtieren. Die Umrissbilder machen sie als Individuen anonym, aber alle diese Menschen zusammen schaffen eine bestimmte Atmosphäre, nicht wahr?

Sie haben auch Porträts von Orten wie Paris und Manhattan gemacht...

Wir sind nie irgendwohin gegangen, um Fotos für unsere zu machen Fonts. Aber überall, wo wir hinreisen, machen wir Fotos. Unsere Arbeit ist das, wohin uns unser Leben führt, wirklich. Alle unsere Arbeiten sind von unserem täglichen Leben inspiriert – Gegenden, die wir auf dem Weg zum Atelier durchqueren, Menschen, die wir auf Reisen sehen, Pflanzen, die wir bei Spaziergängen im Park und auf dem Land zu Hause bewundern. Wir haben immer eine Kamera dabei, um Dinge festzuhalten, die uns inspirieren. Diese Fotografien bilden die Grundlage unserer Fonts und Illustrationen.

Wie Über die Cyberkids-Serie?

Die Idee zu dieser Serie entstand aus den Profilbildern auf Facebook und ähnlichem Webseiten. Die neue Generation von Kindern wird schon sehr früh mit Dingen wie Chatrooms vertraut und der Nutzen digitaler Medien ist für sie so selbstverständlich. Wir haben ohne Computer gelernt, was uns heute seltsam vorkommt. Menschen, die vielleicht zehn Jahre jünger sind als wir, sind ganz anders aufgewachsen. Neue Sachen kommen mit einer unglaublichen Geschwindigkeit raus. Wir versuchen also, diese neue "Pixelgeneration" darzustellen. Die meisten dieser Bilder basieren nicht auf Fotografien, sie sind eher stilisiert. Reine Illustration.

Dann kam die Geometric-Serie: eine riesige Sammlung minimalistischer Muster Fonts die Sie dann als Material für ein atemberaubendes Buch verwendet haben.

Nun, wir sind ziemlich begeistert Über Font Design-Software. Es ist ein sehr einfaches Design-Tool, aber es hat endlose Möglichkeiten, die nicht viele Leute zu nutzen scheinen. Möglichkeiten zur Erstellung von Mustern, zum Beispiel. Wir begannen, mit der Software herumzuspielen und fragten uns: Was ist das Einfachste, was man damit machen kann? Wenn man zum Beispiel einen Kreis einfügt und ihn innerhalb des Em-Quadrats ein wenig verschiebt [so dass er in jeder Glyphe an einer anderen Stelle erscheint], erzeugt man bereits ein Muster. Wir erforschen ständig die Möglichkeiten der Software und versuchen, unerwartete Wege zu finden, sie zu nutzen. Es ist ein bisschen wie beim Programmieren, auf der einfachsten Ebene. Sie können Muster erstellen, indem Sie den Zeilenabstand und die Abstände variieren oder indem Sie Rahmen übereinander legen.

Im Grunde beginnt jede Arbeit, die wir heutzutage machen, mit einer Idee für eine Font. Zuerst machen wir eine Font, und dann fangen wir an, Ideen zu bekommen, um Projekte mit ihnen zu machen. Was uns an Über gefällt, ist, dass es sich um eine Reihe von Formen handelt, die in sich selbst enthalten sind, wie ein Werkzeugkasten, und man kann ihnen einen Namen geben.
Geometric begann also mit dieser einfachen Idee Über und spielte mit sehr einfachen geometrischen Formen. Wir waren sehr überrascht, als immer mehr Dinge herauskamen. Die Idee hat uns einfach mitgerissen.

War Ihnen klar, dass einige Ihrer Muster wie eine Parodie auf die Disco Stil der siebziger Jahre aussehen würden?

Es ging uns nicht wirklich darum, ein bestimmtes Stil zu zeigen. Unser Ziel war es, zu zeigen, dass man mit der Kollektion Geometric pattern Font eine unendliche Anzahl von Mustern entwerfen kann, die sehr unterschiedlich sind Stil. Das ist es auch, womit die Künstler der Op-Art-Bewegung experimentiert haben. Vor allem Bridget Riley, die für uns eine große Inspiration ist.

Sie teilen eine Leidenschaft für minimalistisches Design und Kunst. Was ist daran so faszinierend Über , und welche Künstler und Designer haben Sie (neben Bridget Riley) am meisten inspiriert?

Wir mögen die Klarheit von Form und Farbe minimalistischer Designs. Unaufgeräumte Designs sind in der Regel visuell stärker und kraftvoller. Wir lassen uns von den Arbeiten von John Maeda, Josef Müller Brockman, Wim Crouwel und Otl Aicher und anderen inspirieren.
Unser Ziel ist es, unsere Illustrationen so schön zu gestalten wie die Blumen und Pflanzen, von denen sie inspiriert wurden. Wir sind der Meinung, dass selbst unsere dekorativen Blumenillustrationen minimal und klar sind und dass dies keinen Widerspruch zu unserer Liebe für minimalistisches Design darstellt.

MyFonts verkauft nur eine von Ihnen entworfene "alphabetische" Schrift - eine Font namens Lunar Orbiter. Haben Sie jemals in Erwägung gezogen, ein Designer von "normalen" Schriften zu werden?

Wir lieben Typografie und Schrift und planen, eine experimentelle alphanumerische Überschrift zu entwerfen Fonts in der Zukunft (siehe auch die Mondlandschaft Font bei T26, entworfen von Nicole im Jahr 1995).

Welches sind die interessantesten Projekte, an denen Sie derzeit arbeiten?

Wir arbeiten derzeit an einem ziemlich großen Wandkalenderprojekt für den Verlag, der auch das Buch Geometric veröffentlicht hat. Er hat ein Hochformat von 140 cm x 50 cm und enthält zwölf Kapitza-Illustrationen. Er ist sowohl auf normalem Papier als auch auf Geschenkpapier gedruckt, das man abreißen und als Geschenkverpackung verwenden kann.

Wir arbeiten auch an einem neuen Buch, für das wir - obwohl es eine Fortsetzung von Geometric ist - neben geometrischen auch organische Muster verwenden werden.

Und natürlich werden wir noch mehr veröffentlichen Fonts. Die Serie "We Love Nature" wird weiter wachsen!

Abschließend: MyFonts hat eine Weile gebraucht, um Sie davon zu überzeugen, mit uns zusammenzuarbeiten. Wie sehen Sie Ihre Entscheidung jetzt?

Es war großartig, mit MyFonts zusammenzuarbeiten. Unsere Arbeit wurde einem viel breiteren Publikum zugänglich gemacht und wir haben viel positives Feedback erhalten.