Gareth, Alias ist ein ziemlich produktiver Foundryaber die Fonts waren ursprünglich eine Art Nebenprodukt deines Grafikdesignstudios, nicht wahr? Könnten Sie die Art der grafischen Arbeit beschreiben, die Sie produzieren?

Das Schriftdesign entwickelte sich aus Logodesigns, meist, aber nicht immer, für die Musikindustrie. Elephant war die erste vollständige Schrift, die aus einem Logo für eine Filmproduktionsfirma entwickelt wurde. Heutzutage stammen sie entweder aus Grafikdesign-Projekten, aktuelle Beispiele dafür sind Ano, Asphalt, Aspic und Oban, oder aus persönlichen Projekten, bei denen ich Ideen erforschen wollte, wie Lily und das in Kürze erscheinende Caustic. Der Hauptgrund für das Zeichnen von Schriften war immer, Ideen zu erforschen. Da ich eher aus dem Grafikdesign als aus dem Schriftdesign komme, habe ich sie immer als Ausdruck einer grafischen Idee gesehen, Ideen Über bestimmte Kombinationen von Formen und Winkeln, Geometrie, Kombinationen von Referenzen. Wie jeder andere auch (hoffe ich), versuche ich, einen Unterschied in meinem Tun zu finden. Schriftdesign braucht Zeit, also muss es sich von dem, was es umgibt, abheben.

Wenn Sie für die Musikindustrie arbeiten, haben Sie dann oft mit Kunden zu tun, die ein gewisses typografisches Bewusstsein haben? Diskutieren Sie manchmal mit ihnen über Ihre Schriftentwürfe?

Wenn ich Logos zu größeren Zeichensätzen entwickelte, wie z.B. DIN Mitteslschrift, die ich für System 7 und Shades Of Rhythm fotokopierte, zerschnitt und neu arrangierte, tauchten diese neuen Schriften auf den Rückseiten der Cover auf, unerwartet und ohne Brief. Für mich war das zwar wichtig, aber für die Plattenfirma stand immer das Logo im Vordergrund. Solange man das Zeug auf der Rückseite lesen konnte, war man im Allgemeinen froh, sich auf die Vorderseite zu konzentrieren. In der Rezession der späten 80er und frühen 90er Jahre wurden die Budgets gekürzt, und die CD wurde eingeführt. Die Plattenfirmen waren viel stärker kommerziell ausgerichtet als in der Blütezeit des Coverdesigns in den 70er Jahren.

Wer waren Ihre typografischen Vorbilder, als Sie begannen, Ihre eigene Typografie zu entwickeln Stil?

Ich habe mich mit der Arbeit der Grafiker Designer beschäftigt, insbesondere mit den Plattenhüllen Designer, und nicht mit der Schrift Designer. Der individuelle, eklektische Geist von Hipgnosis, Barney Bubbles und Peter Saville, für deren Arbeiten ich mich schon als Teenager interessierte, als ich Plattenläden in meiner Umgebung und in London durchstöberte. Mein älterer Bruder und die Freunde meiner Schwester machten mich mit Punk und Post-Punk und Bands wie The Residents und Pere Ubu bekannt, und ich achtete stets auf ihre (großartigen) Plattenhüllen. Als ich das College verließ und meine berufliche Laufbahn begann, sammelte ich Bücher über Grafikdesign und studierte eher Schriftmusterbücher als die Arbeit bestimmter Schriften Designer.

Haben Sie schon einmal darüber nachgedacht, hauptberuflich als Schriftgestalter zu arbeiten?

Ich habe mich immer als Grafikdesigner betrachtet, der auch Schriften zeichnet, und nicht als Schriftdesigner. Was für mich funktioniert, ist die Kombination aus beidem, zum Beispiel bei Projekten wie AnOther Man und AnOther Magazines, wo die Schrift so gestaltet ist, dass sie auf bestimmte Weise funktioniert, und wo ich die Schrift und das Layout gestalte. Letztendlich mag ich es, sowohl Schriften zu verwenden als auch zu entwerfen - für mich ergänzen und informieren sie sich gegenseitig.

Glauben Sie, dass Sie als Grafikdesigner, der auch Fonts entwirft, eine andere Herangehensweise an das Design von Schrift haben als Leute, deren einziger Beruf die Gestaltung von Schriften ist?

Das wirkt sich darauf aus, wie ich an die Gestaltung von Schriften herangehe. Ob das bei anderen Leuten anders ist, weiß ich nicht. Ich betrachte einzelne Buchstaben sowohl als unabhängige grafische Einheiten als auch als Teil eines Systems, und Schriftdesigns als Ausdruck von Ideen Über Kombinationen von Formen oder Referenzen. Es ist mir sehr wichtig, dass meine Arbeit, einschließlich meines Schriftdesigns, Ideen und Botschaften zum Ausdruck bringt, die (hoffentlich) neu und aktuell sind. Schriftdesign kann eine insulare und nach innen gerichtete Diskussion über obskure historische Modelle sein. Obwohl ich die Notwendigkeit und Wichtigkeit des Verständnisses der erstaunlichen Geschichte der Schrift absolut akzeptiere, kann diese Tendenz, zurückzublicken, auf Kosten der Erforschung neuer Ideen gehen.

Bei der Gestaltung der Anzeige Fonts zur Unterstützung eines grafischen Konzepts steht die Lesbarkeit nicht immer im Vordergrund, nicht wahr? Wie weit darf man bei der "Verschlüsselung" oder Verschleierung des Alphabets gehen?

Die Typografie von Schlagzeilen, insbesondere bei unseren Arbeiten für Modemagazine oder Plattencover, muss nicht sofort lesbar sein. In diesem Fall ist die Typografie (und nicht das Design von Schrift ) Über der Ausdruck eines Bildes und wird als illustratives Mittel oder Symbol verwendet. Ihre informierende Rolle ist weniger wichtig. Das Gesamtdesign des Magazins oder der Verpackung enthält oft eine funktionale und lesbare Schrift, die den Rahmen für eine ausdrucksvollere Typografie in den Überschriften bildet.

Mit dem Luxus von mehr Platz werden zum Beispiel die typografischen Konstruktionen von AnOther Man komplexer, damit der Leser die Idee versteht und sich mit ihr vertraut macht. Wenn es eine Schwierigkeit bei der Lesbarkeit gibt, hat das einen Grund: Über bezieht den Leser schrittweise in das Layout und die Typografie des Magazins ein.

Einige meiner Grafikdesign-Arbeiten, insbesondere die Arbeit für Zeitschriften, haben mir die Möglichkeit gegeben, mit Schriften und Typografie als Bild, als Muster oder als Textur zu arbeiten. In diesem Fall sind die Buchstaben nicht viel mehr als Ausgangspunkte für Ideen für Formen. Das ist keine Über Codierung oder Verschleierung in irgendeiner Weise, sondern eher Über Bildgestaltung und Spaß an der Herstellung von Mustern und Texturen.

Wenn man ein Alphabet zu sehr verschleiert, ist es vermutlich kein Alphabet mehr.

Hatten Sie jemals hitzige Diskussionen mit Designer (oder Kunden), die der Meinung waren, dass Ihre Schriften zu experimentell und nicht konventionell genug ist?

Sich selbst als experimentell zu bezeichnen ist so, als würde man sagen, man sei verrückt. Wenn man sagt, man sei es, ist man es nicht. Trotzdem würde es mich sehr überraschen, wenn mein Schriftdesign von anderen Schriftgestaltern Designer als besonders experimentell angesehen würde. Vielleicht ist es unkonventionell, was an meiner fehlenden Ausbildung im Schriftdesign, den Eigenheiten meiner Arbeitsweise und meinen Ideen und Bezugspunkten liegt. Ich neige dazu, typografische Feinheiten oder Nuancen zu übergehen und mich auf große, wirkungsvolle grafische Formen zu konzentrieren, was zum Teil der Grund dafür ist, warum ich mich für Didone- und Blackletter-Schriften interessiere, die (für mich) im Wesentlichen einfache, grafische Formen sind.

Elephant zum Beispiel war eine Version des Grot-Schriftstils. Während die ursprüngliche Schrift Eigenheiten aufwies, die auf dem Zeichnen mit der Hand oder dem Schnitzen von Buchstabenformen in Holz oder Metall beruhten, war Elephant ein Versuch, dieselbe Idee der Eigenartigkeit von Buchstabenformen einzufangen, aber mit Regeln, die sich aus dem Zeichnen mit der super-rationalen Ästhetik des Computers und nicht mit dem Stift ableiten - eine Art digitaler Anti-Eigenart. Das Aussehen von Schrift entspricht also der Art und Weise, wie es mit dem Computer erstellt wurde - die Entwicklung und Verwendung von modularen Systemen, perfekter Geometrie, der Ethik des Kopierens und Einfügens, wie eigenartig auch immer angewandt. Es wurde zu etwas, das sich von seinem Ausgangspunkt unterscheidet und sehr spezifisch für meine Arbeitsweise ist.

Zeichnen Sie von Hand, wenn Sie an einem neuen Font arbeiten, oder arbeiten Sie zu 100 % digital?

Ich genieße es und scheine immer wieder Buchstaben oder Wörter zu kritzeln, aber sie haben nichts mit meinem Schriftdesign zu tun, sondern sind eher Ideen oder Entwürfe für sich selbst.

Es wird oft gesagt, dass Designer nur schwarz und weiß sieht, sowohl wörtlich als auch im übertragenen Sinne. Wie wichtig ist für Sie die Farbe im Design? Und Nuancen im Leben?

Schriftdesign ist für mich eine sehr einsame Tätigkeit, während ich beim Grafikdesign (normalerweise) mit anderen zusammenarbeite. Grafikdesign hat die Nuancen gemeinsamer Meinungen und Erfahrungen; beim Schriftdesign fehlen die Nuancen, es ist eine sehr schwarz-weiße Auflösung einer Idee. In meinem Grafikdesign, ob bewusst oder unbewusst, bedeutet der mutige Einsatz von Farbe, dass das Design weniger Über Text und Typografie ist - Farbe und Prozess sind vielleicht ein Gegenmittel gegen die Monochromie des Schriftdesigns. Es gibt also eine Reihe von Gegensätzen: Alleingang versus Zusammenarbeit, Farbe versus Monochrom, Rechts- versus Linkshirn. Ich glaube, das macht sowohl mein Schriftdesign als auch mein Grafikdesign besser, und durch die Verwendung von Schrift erkennt man sicherlich die Erfolge und Misserfolge des eigenen Schriftdesigns.

In diesem Moment beginnen die Olympischen Spiele in London Über . Das viel diskutierte Logo von Wolff Olins wurde von Ihrer Klute Schrift inspiriert, und Sie haben anschließend die Überschrift Schrift entwickelt. In Ihrem Blog haben Sie kritisch geschrieben Über die Identität der Olympischen Spiele und die Art und Weise, wie sie aufgenommen wurde. Braucht es nicht eine gehörige Portion Mut für einen Designer, sich so zu äußern?

In meinem Blogbeitrag habe ich die Identität selbst nicht kritisiert. Ich habe über die Olympischen Spiele gesprochen und darüber, wie sie wahrgenommen wird; Über die Reaktion auf die Identität und wie sie in den Medien dargestellt wurde.

Ich frage mich, ob eine Gelegenheit verpasst wurde, die Öffentlichkeit irgendwie in den Designprozess einzubeziehen. Es scheint eine Entfremdung und ein Misstrauen zwischen der Kreativbranche und ihrer Darstellung in den Mainstream-Medien zu geben. Ich denke, das Logo war ein mutiger Ansatz, der sich von der üblichen totemistischen Formel aus Kultursymbol + Wort + fünf Ringe unterscheidet und als solcher in Mittelengland oder bei der konservativen Presse wahrscheinlich nicht beliebt sein wird. Das Vereinigte Königreich hat einen verdienten Ruf für seine kreative Industrie, aber einen ebenso verdienten Ruf für seine Vorliebe für Nostalgie. Ich verstehe jedoch die Kritik, dass die Identität, Schrift eingeschlossen, eine pastiching Jugendgrafik ist - und dass das Logo schöner hätte sein können. 

Andere Faktoren haben den Empfang nicht begünstigt Hilfe . Es war bedauerlich, dass, nachdem London das Rennen um die Ausrichtung der Spiele in diesem Jahr gewonnen hatte, das Bankensystem zusammenbrach - die Auswirkungen sind immer noch zu spüren. In einer Zeit der Sparmaßnahmen war die (nicht unbedingt zutreffende) Vermutung, dass die für die Olympischen Spiele bestimmten Gelder von Sozialleistungen und Krankenhäusern abgezogen wurden, doppelt problematisch. Zu diesem vermeintlichen Mangel an Wert und Einbindung in die Spiele gesellten sich Geschichten über drakonische und aggressiv umgesetzte Regeln für die Markenbildung und über die Aufstellung von Waffen auf Hochhäusern. Keine gute PR für eine Veranstaltung, die trotz ihres Images als sportlicher Goldstandard vielleicht nicht so viel mit den Menschen und den lokalen Gemeinschaften zu tun hat wie mit ihren Sponsoren.

Zurück zu den Buchstabenformen. Ihre umfangreiche Schriftfamilie Ano ist eine markante serifenlose Schrift, die ursprünglich für die Zeitschrift Another Man entwickelt wurde. Wie wurde das Design auf die redaktionelle Formel und die Anforderungen des Magazins abgestimmt?

Es war ungewöhnlich, von einem Kunden so viel Freiheit und Vertrauen zu bekommen. Das Layout war sehr luxuriös: Nutzungsbedingungen . So erstreckt sich zum Beispiel der Überschriftentext über zwei oder drei Seiten. Die Konsistenz der Ideen und der Ausrichtung des Layouts, der Typografie und der künstlerischen Gestaltung machten Another Man zu einem Alleinstellungsmerkmal auf einem Markt, auf dem die verschiedenen Magazine miteinander verschmelzen können, und Jefferson Hacks Stärke als Kunde und Herausgeber war, dass er dies verstand.

Ausgangspunkt für Ano war eine einfache, aber auffällige Idee: eine Reihe serifenloser Kleinbuchstaben in zwei Größen, aber mit der gleichen Strichstärke. Dieser geometrisch einfache Monoline-Rahmen ermöglichte eine stilistische Konsistenz über drei Varianten hinweg: Regular, ein "Standard"-Alphabet; Upper Lower, bei dem die Großbuchstaben durch übergroße Kleinbuchstaben ersetzt werden; und Wide, bei dem die Großbuchstaben die Breite eines Quadrats haben und die Kleinbuchstaben den gleichen Stil in halber Breite eines Quadrats. Für jeden Stil gibt es eine kursive und eine gegenläufige kursive Version. Das sind neun Variationen in sechs Schriftgraden: Insgesamt 54 Fonts .

Die verschiedenen Stile und mathematisch abgeleiteten Gewichte von Ano ermöglichten eine Vielzahl von Layout-Optionen. Die verschiedenen Layout-Ideen, die durch diese Optionen vorgeschlagen wurden, definierten die einzelnen Abschnitte des Magazins - Essays, Front Of House, Mains und Fashion. Die Wahlmöglichkeiten beim Mischen von Punktgrößen und bei der Wahl zwischen Groß- und Kleinbuchstaben in den Stilen Upper Lower und Wide bedeuteten, dass die Wörter an bestimmte Formen angepasst werden konnten.

Für die Abschnitte "Essay" und "Front Of House" wurden die Überschrift und der erste Text so gesetzt, dass sie in Blöcke und L-Formen passen und mit Textspalten und rasterbasierten Fotos kombiniert werden. Überschrift, Vorspann, Text und Bild bildeten eine einzige unregelmäßige Blockform auf der Seite. Das Schriftdesign für die Rubriken Mains und Fashion änderte sich von Ausgabe zu Ausgabe und untersuchte die beiden Ideen von Linearität und Geometrie auf unterschiedliche Weise. Die Schrift wurde umrissen, ausgefüllt und kombiniert. Schwere Gewichte wurden gestreckt und gequetscht, um Blöcke zu bilden, und Buchstaben wurden in einer Art aufgeblasenem, mikrojustiertem Satz in verschiedene eckige Formen geschnitten und gemeißelt.

Sie haben bereits erwähnt, dass Perla, Oban und Alias Didot alle auf "modernen Schrifttypen" oder "Didone"-Typen aus der Zeit um 1800 basieren. Könnten Sie etwas mehr dazu sagen Über Ihre Faszination für diese Stil in der Typografie?

Die Idee, dass eine Reihe von Buchstabenformen aus dicken und dünnen Linien besteht, die mit einer minimalen oder gar keiner Kurve verbunden sind, wirkt auf mich sehr grafisch und zeitgenössisch. Es gibt eine Strenge, die ich sehr auffällig finde. Allerdings sind diese drei Typen alle als Auftragsarbeiten für Branding-Projekte oder Zeitschriften entstanden und sind nicht unbedingt Ideen, die ich für eine neue Alias Schrift von Grund auf entwickeln würde. 

Obwohl insbesondere Oban und Alias Didot ganz offensichtlich historische Bezüge aufweisen, wirken sie durch die Mischung der Bezugspunkte modern oder anders. Oban ist inspiriert von Thorowgood-Schriften und Musterbüchern mit Holzlettern aus dem späten neunzehnten Jahrhundert, mit ihren schwungvollen und ausdrucksstarken, schwergewichtigen grafischen, manchmal naiv gezeichneten Formen. Oban hat eine modulare Geometrie und ihre Buchstabenform ist besonders scharf, wobei die leichte Kurve, die die Vertikale mit der Horizontalen und die Kurve mit der Geraden der Originale verbindet, auf einen scharfen Winkel reduziert ist. Die rückwärts gerichtete Kursivschrift erinnert an die selbstbewusst schrullige Idee, die ein Schriftgießer des neunzehnten Jahrhunderts gehabt haben könnte. Alias Didot ist überhaupt keine Didot, insbesondere die Kursivschrift bringt die Stile durcheinander, die Ziffern wechseln zwischen Didot, Bodoni und anderen.

Diese Didot-ähnlichen Gesichter verweisen auf die Stil , ohne buchstäblich ein Revival zu sein. Was ist Ihre Einstellung zu Wiederbelebungen?

Ich denke, wenn man eine Version eines beliebten oder klassischen Designs zeichnet, verbindet man sich mit diesem Design, mit seiner Geschichte und seinen Konnotationen. Es kann eine Abkürzung zur Problemlösung sein, insbesondere für die Herausforderungen bei der Gestaltung von Text Schriften, und ich frage mich, ob dies auf Kosten der Erkundung neuer und daher riskanterer Ideen geht. 

Welchen Sinn hat die Wiederbelebung eines historischen Klassikers Font, den es bereits in mehreren Versionen gibt? Ich bin mir nicht sicher, ob ich den Bedarf an weiteren Caslons oder Baskervilles (zum Beispiel) oder den Bedarf an neuen Versionen der neueren "Next"-Serien Avenir oder Univers verstehe, abgesehen von ihrer offensichtlichen Marktfähigkeit. Mir gefällt, dass die kürzlich veröffentlichte Neue Haas Grotesk von Christian Schwartz eine Art Anti-Redraw der Helvetica ist, da sie eine genaue Wiedergabe der ursprünglichen Zeichnungen der Schrift ist, die später zur Helvetica wurde, aber ursprünglich Neue Haas Grotesk hieß. Es lohnt sich also, den Beitrag des ursprünglichen Designers zu suchen oder eine Schrift in ihre ursprüngliche Form zurückzubringen, wenn genügend Quellenmaterial vorhanden ist. Aber diese neuen Versionen oder nachträglichen Ergänzungen wie serifenbetonte oder serifenlose Versionen, abgerundete, konturierte, kondensierte oder was auch immer, wirken eher so, als ob man mit einem marktgängigen Namen Geld verdienen würde, als dass man in neue Arbeit investiert.

Ältere Schriften stellen jedoch ein anderes Problem dar. Jonathan Hoefler hat die Variablen bei der Wiederherstellung alter Formen aus alten Quellen erörtert, bei denen Druckabweichungen zu Verschlechterungen und Unterschieden in der Zeichenform führen, die bei der Neuzeichnung verschiedene Möglichkeiten ergeben. Wie kann man in diesem Fall die Wiederbelebung alter historischer Schriften als authentisch oder genau bezeichnen? Wie bei der Serie Nächste , wer entscheidet das?

Historische Modelle sind eine riesige, reichhaltige Inspirations- und Referenzquelle, und wenn man sie mischt, kann man etwas Neues, Anderes und Relevantes schaffen, wobei der historische Kontext erhalten bleibt. Dies kann sie neu, relevant und fortschrittlich machen.

Vielen Dank, Gareth. Wir freuen uns darauf, noch mehr Alias Schriften auf MyFonts zu sehen.