Nació y creció en Oberndorf(Alemania), y ambos acabaron en Londres estudiando diseño gráfico en el Camberwell College of the Arts. ¿Cómo surgió todo aquello?

NICOLE: Al principio estudié para ser profesora de arte. Pero no me sentía muy cómoda con el plan de estudios, que era muy amplio e incluía cosas como perspectiva y cerámica. Así que lo dejé y me senté durante seis meses a trabajar en un nuevo portafolio. Me aceptaron en la Academia Estatal de Bellas Artes de Stuttgart para estudiar ilustración. Uno de mis profesores fue Heinz Edelmann [famoso por Yellow Submarine ]. Creo que influyó en mí porque despertó mi interés por el minimalismo: destilar una idea hasta su esencia, en lugar de hacer dibujos bonitos con muchos detalles.

Mientras tanto, Petra se había ido a Gran Bretaña a estudiar diseño de calzado. Cuando fui a visitarla, me gustó mucho el lugar y me las arreglé para estudiar diseño gráfico durante un año como estudiante de intercambio en el Camberwell College of the Arts.

PETRA: Aunque me gustaban ciertos aspectos del diseño de calzado, no me sentía cómoda con una carrera en el mundo de la moda. carrera en el mundo de la moda. Así que, al acabar la carrera, solicité plaza en el Camberwell College y me aceptaron en una licenciatura de diseño gráfico. Ya tenía un año de experiencia laboral en una agencia de publicidad, donde trabajé por primera vez con un ordenador Apple, algo que me encantó. Esa fue otra de las razones por las que me decanté por el diseño gráfico. Por aquel entonces no se utilizaban ordenadores en el diseño de calzado, lo que me parecía un poco anticuado.

¿Qué fue lo más importante que aprendió en el Camberwell College?

NICOLE: Nuestro profesor más influyente allí fue probablemente Dirk Van Dooren, del grupo de diseño Tomato. Dirk nos animó a concentrarnos en nuestros intereses e ideas personales, a hacer un proyecto expresivo y de estilo individual y a no seguir las modas. Había mucha libertad. Stuttgart, donde volví para graduarme, era muy diferente, muy orientado a la publicidad. Tu trabajo tenía que parecer elegante.

Tras graduarse, ambos encontraron trabajo en Berlín.

Sí, queríamos vivir en Berlín, nos parecía un lugar apasionante. Así que en 1996 recorrí las agencias berlinesas con mi carpeta de ilustraciones. Pero como todos los estudios eran muy pequeños, la mayoría de dos personas, parecía imposible encontrar trabajo. Entonces leímos un artículo sobre una nueva empresa de diseño interactivo llamada Pixelpark. No habían recibido muchas solicitudes de diseñadores formados -entonces muy pocos diseñadores gráficos se planteaban dedicarse a los medios digitales- y nos contrataron a los dos. Diseñamos CD-ROM interactivos para grupos de rock y empezamos a hacer diseño web. Hicimos proyectos para grandes clientes, incluidos bancos, con equipos de dos o tres personas. En aquella época era muy divertido diseñar para la Web, ¡todo era tan nuevo! Aún no había reglas establecidas y, como diseñadores, éramos básicamente diseñadores de interfaces de usuario, arquitectos de la información y directores artísticos, todo en uno.

Nuestra experiencia en Pixelpark nos abrió muchas puertas cuando volvimos a Londres al año siguiente, que era lo que siempre habíamos querido. Petra fue la primera y trabajó en MTV, SYZYGY, Oven Digital y la BBC. Formó parte del equipo original en el lanzamiento de BBC News Online, que fue muy emocionante.

¿Qué hace que Londres le resulte tan atractiva?

Para decirlo sin rodeos: ¡siempre te dan una patada en el culo! La variedad cultural es enorme y cambia continuamente. No puedes quedarte quieto, te mueves porque tienes que hacerlo. Y vivir aquí es caro, así que hay que seguir trabajando.

¿Por qué decidieron fundar juntos su propia empresa?

Llevábamos tiempo hablando de montar juntos y habíamos hecho algunos proyectos juntos, incluso antes de empezar con kapitza. Nos dimos cuenta de que trabajamos muy bien juntos. Cuando finalmente sentimos que cada vez había menos libertad creativa en los trabajos que hacíamos, decidimos intentarlo y creamos kapitza. El diseño web tal y como lo conocíamos de los primeros días había cambiado mucho. La arquitectura de la información y el diseño de la experiencia del usuario asumieron muchas de las tareas que solían hacer los diseñadores gráficos en el diseño de nuevos medios. El trabajo del diseñador se parecía cada vez más a colorear: te contrataban para "hacer que las cosas parecieran bonitas". Ya no se te permitía tomar decisiones de diseño importantes.

Desde su creación en 2003, el estudio kapitza se ha dedicado al diseño de libros y exposiciones, pero poco a poco se fue especializando en la creación de imágenes fuentes utilizando formas abstractas y siluetas. ¿Cómo ha evolucionado?

Nuestro trabajo sobre formas perfiladas empezó con una serie de cuadros de flores. Siempre hemos hecho fotografías de flores y plantas, y para estos cuadros convertimos algunas de ellas en contornos por ordenador. Los transferimos a lienzos y los pintamos a mano con un solo color. Eran cuadros individuales que pintamos para nosotros mismos ende descuento ; nunca tuvimos intención de venderlos ni de producirlos en serie. Fue un proyecto por iniciativa propia motivado por nuestro interés en la belleza de las formas orgánicas, esas líneas irregulares pero tan poderosas.

Después llegó la exposición sobre William Morris en la Whitworth Gallery de Manchester. El comisario, David Mabb, nos conocía de proyectos anteriores y nos pidió que diseñáramos el catálogo. Nos invitaron a ilustrarlo con nuestro propio estilo, utilizando la obra de Morris como fuente para una interpretación contemporánea. Así que investigamos sus diseños textiles y calcamos varios motivos florales y otros elementos.

Tu tercer y mayor proyecto, basado en el concepto de siluetas orgánicas, fue para otro proyecto artístico comisariado por David Mabb: una exposición titulada La muerte es parte del proceso. Diseñaste un mural de 11,5 metros de largo con imágenes que hacían referencia al tema de la mortalidad de la exposición.

Esa obra, "Cycle", se inspira en las Vanitas o pinturas 'Memento mori' del Barroco. Son naturalezas muertas que meditan sobre la muerte y la fugacidad, utilizando símbolos como calaveras y vasos vacíos y flores marchitas. Siempre nos ha fascinado la complejidad y profundidad de estos cuadros. Se pueden contemplar eternamente y seguir descubriendo cosas nuevas. Así que eso es lo que nos propusimos: crear nuestro propio "Memento mori" moderno, combinando imágenes de personas, animales y plantas en una obra sobre los ciclos de la vida. Utilizamos imágenes muy personales, lo que le dio mucha fuerza.

Al principio probamos con simples siluetas de colores, pero luego nos dimos cuenta de que sería demasiado plano y desolador. El tema de la exposición era tan serio... Sentíamos que necesitábamos algo que tuviera múltiples niveles y estuviera más abierto a la interpretación, dejando que los espectadores le encontraran un significado por sí mismos. Así que volvimos a las fotografías que habíamos utilizado para hacer los contornos, muchas de las cuales habían sido tomadas en los alrededores de donde vivimos, en el East End de Londres, y en Alemania. Las pusimos en la obra de arte, de modo que el resultado fuera en capas: había imágenes dentro de imágenes.

Fue muy emocionante trabajar a una escala tan grande. De hecho, desde entonces hemos estado buscando la oportunidad de hacer otro mural. El tamaño de la instalación hizo que la obra "rodeara" al espectador y recibimos muchos comentarios positivos de gente muy conmovida.

Y entonces te diste cuenta de que el concepto de imágenes de siluetas te funcionaba muy bien.

Sí. Habíamos hecho montones y montones de dibujos de siluetas de personas y plantas a partir de fotografías tomadas en nuestro barrio. Y las siluetas de la gente eran realmente emocionantes: eran tan incisivas que podías ver el carácter de cada persona. Así que nos preguntamos: ¿qué podemos hacer con eso?

Tuvimos la idea de utilizar las siluetas de esas personas para hacer un retrato de zonas concretas. Trabajamos en el East End y los contrastes entre una zona y otra son enormes. Un lugar como Brick Lane está a sólo diez minutos a pie de donde estamos, pero la vida en la calle tiene un carácter muy diferente. Así que empezamos a utilizar esas siluetas para retratar cada zona. Las siluetas las hacen anónimas como individuos, pero todas esas personas juntas crean una cierta atmósfera, ¿no?

También hizo retratos de lugares como París y Manhattan...

Nunca fuimos a ningún sitio especialmente para hacer fotos para nuestro fuentes. Pero allá donde viajamos hacemos fotos. En realidad, nuestro trabajo está donde nos lleva la vida. Todo nuestro trabajo se inspira en nuestra vida cotidiana: las zonas por las que pasamos de camino al estudio, la gente que vemos cuando viajamos, las plantas que admiramos en los paseos por el parque y en el campo de vuelta a casa. Siempre llevamos una cámara con nosotros para registrar las cosas que nos inspiran. Estas fotografías forman la base de nuestras fuentes e ilustraciones.

¿Qué le parece la serie Cyberkids?

La idea de esta serie surgió de las fotos de perfil de Facebook y sitios web similares. La nueva generación de niños se familiariza con cosas como los chats a una edad muy temprana y el uso de los medios digitales les resulta tan evidente. Estudiábamos sin usar ordenador, lo que hoy nos parece raro. La gente que es quizá diez años más joven que nosotros creció de una manera totalmente distinta. Las novedades aparecen a una velocidad increíble. Por eso intentamos retratar a esa nueva "generación de píxeles". La mayoría de estas imágenes no se basan en fotografías, son más estilizadas. Pura ilustración.

Luego vino la serie Geometric: una enorme colección de patrones minimalistas fuentes que luego utilizó como material para un libro impresionante.

Bueno, estamos bastante entusiasmados con el software de diseño fuente . Es una herramienta de diseño muy sencilla, pero tiene infinitas posibilidades que no mucha gente parece utilizar. Posibilidades para hacer patrones, por ejemplo. Empezamos a jugar con el programa y nos preguntamos: ¿qué es lo más sencillo que se puede hacer con él? Por ejemplo, si pones un círculo ahí y lo mueves un poco dentro del Em-cuadrado [para que aparezca en una posición diferente en cada glifo] ya estás creando un patrón. Estamos constantemente explorando las posibilidades del software, intentando encontrar formas inesperadas de utilizarlo. Es un poco como programar, en el nivel más simple. Se pueden crear patrones simplemente variando el interlineado y el espaciado, o superponiendo cuadros.

Básicamente, todo el trabajo que hacemos hoy en día empieza con una idea para fuente. Primero hacemos un fuente, y luego empezamos a coger ideas para crear proyectos con ellas. Lo que nos gusta es que se trata de un conjunto de formas, contenidas en sí mismas, como una caja de herramientas, y puedes darle un nombre.
Así que Geometric empezó con esta simple idea de jugar con formas geométricas muy básicas. Nos sorprendió mucho que cada vez salieran más cosas. La idea se nos fue de las manos.

¿Te diste cuenta de que algunos de tus patrones parecerían una parodia del estilo disco de los setenta?

En realidad, no nos preocupaba mostrar ningún estilo en particular. Nuestra ambición era demostrar que con la colección Geometric pattern fuente se podían diseñar un sinfín de motivos de estilos muy variados. Esto es también con lo que han experimentado los artistas del movimiento op-art. Especialmente Bridget Riley, que es una gran inspiración para nosotros.

Comparte su pasión por el diseño y el arte minimalistas. Qué tiene de fascinante y (además de Bridget Riley) qué artistas y diseñadores le han inspirado más?

Nos gusta esa claridad de formas y colores de los diseños minimalistas. Los diseños despejados tienden a ser visualmente más fuertes e impactantes. Nos inspiramos en la obra de John Maeda, Josef Müller Brockman, Wim Crouwel y Otl Aicher, entre otros.
Nuestro objetivo es que nuestras ilustraciones sean tan bellas como las flores y plantas en las que se inspiran. Seguimos pensando que incluso nuestras ilustraciones decorativas de flores son mínimas y claras y que no hay contradicción con nuestro amor por el diseño minimalista.

MyFonts vende sólo un tipo de letra "alfabética" que diseñó: un fuente llamado Lunar Orbiter. ¿Ha pensado alguna vez en dedicarse al diseño de tipos "normales"?

Nos encantan la tipografía y los tipos, y tenemos previsto diseñar en el futuro algunos titulares alfanuméricos experimentales fuentes (véase también el Moonscape fuente en T26, diseñado por Nicole en 1995).

¿Cuáles son los proyectos más interesantes en los que está trabajando ahora?

Actualmente estamos trabajando en un proyecto de calendario de pared bastante grande para la editorial que también publicó el libro Geometric. Tiene un formato vertical de 140 cm por 50 cm y contiene doce ilustraciones de kapitza. Está impreso tanto en papel normal como en papel de regalo, que puede rasgarse de descuento y utilizarse como papel de regalo.

También estamos trabajando en un nuevo libro para el que, aunque es una continuación de Geometric, utilizaremos motivos orgánicos junto a los geométricos.

Y, por supuesto, publicaremos más fuentes. La serie We Love Nature seguirá creciendo.

Por último: MyFonts tardó en convencerte de que trabajaras con nosotros. ¿Cómo ve ahora su decisión?

Ha sido estupendo trabajar con MyFonts. Nuestro trabajo se ha abierto a un público mucho más amplio y hemos recibido muchos comentarios positivos.