Rae, la colección Outside The Line consta de ilustraciones fuentes y tipos de letra alfanuméricos. ¿Dirías que eres más ilustradora que diseñadora, o eso no importa mucho?

No creo que importe. He hecho un montón de garabatos fuentes y dibujos fuentes... pero veo que el año que viene lo dedicaré más al alfabeto fuentes. Sólo depende de cuáles sean mis últimas ideas.

Sus dibujos tienen un estilo característico que recuerda a la ilustración de revistas y publicidad de los años cincuenta y sesenta. ¿Es una referencia consciente? ¿Ha investigado o coleccionado material de esa época?

Probablemente se trate de una referencia inconsciente, pero yo nací en los años 50 y tomé clases de arte en el instituto en los 60; fui a la escuela de arte para licenciarme en Arte Comercial en los 70.

Recuerdo que de pequeño teníamos dos periódicos diarios, uno semanal, uno mensual y el dominical. La imprenta era muy grande entonces y yo estudiaba detenidamente todos los cómics. Estudiaba cómo estaban dibujados y cómo se escribía a mano. Y sólo seguía los que me parecían visualmente agradables.

En algún momento mi madre me regaló el álbum de recortes de mi infancia. Cuando estaba en primero o segundo de primaria recortaba cosas del periódico o de revistas y las pegaba en el álbum de recortes todas maquetadas. Cada página estaba tematizada con todas las cosas de un mismo artículo o todas las cosas del mismo color o todas del mismo estilo de ilustración. No había espacio en blanco atrapado y extrañamente estos diseños se parecían mucho a mis primeros trabajos cuando fui a la escuela de arte comercial y realmente aprendí sobre diseños. Al parecer, siempre he tenido un sistema de cuadrícula en la cabeza.

¿Podría hablarnos un poco más de su formación en arte y diseño? ¿Hubo algún momento en el que te diste cuenta: ¿Así es como tengo que dibujar esas cosas?

A lo largo del camino se me han encendido las bombillas. Cuando estaba en primer curso, la monja levantó el dibujo de la niña del pupitre de al lado y elogió su trabajo. Recuerdo que pensé que, aunque su trabajo era mejor que el mío, la profesora debería haber levantado el mío porque yo iba a ser artista de mayor. Y supe que eso era lo que iba a hacer a partir de ese momento.

Probablemente lo que más agradecí fue el gran profesor de arte que tuve en el instituto. Me enseñó, me elogió y me dijo que sin duda era lo bastante buena para seguir en ese campo. Aquellos cuatro años de clases de arte me formaron mucho. Estoy seguro de que ese profesor, Dan Story, lo hizo no sólo por mí, sino por muchos de nosotros en esa pequeña comunidad rural y agrícola. Me preocupa que haya tantos recortes para el arte en las escuelas aquí en Estados Unidos. Sin esas clases de arte y la confianza que me infundió, no estoy seguro de que estaría aquí ahora.

Y luego estaban los años 70... una época increíble para ser joven e ir a la escuela de arte. Todo parecía más grande que la vida. Recuerdo que estudiaba las portadas de los discos, me encantaban Peter Max y Andy Warhol, los carteles de luz negra de los bares... el arte y la tipografía estaban por todas partes, te bombardeaban. Y yo era una esponja.

Y ahora siento que llevo una vida encantada. Me levanto cada mañana y pienso en qué cosa creativa voy a trabajar ese día. Y gracias en parte a MyFonts, que ha vendido mi fuentes durante nueve años, puedo hacerlo.

En cuanto a la tipografía y las letras: ¿hubo algún acontecimiento que le abriera los ojos y le hiciera darse cuenta de cómo funciona la tipografía? ¿Ha tenido profesores o mentores que le hayan guiado?

En la escuela de diseño, recuerdo que en una de mis primeras clases añadí muchos bordes y colores a un diseño y una profesora me llamó la atención y me preguntó qué era todo eso. En las siguientes asignaciones no me dejó poner nada en el diseño que no pudiera justificar. Me inculcó que más no era mejor. Más era simplemente más. Y eso me abrió los ojos. Desde entonces soy un diseñador de "menos es más" en todos los sentidos. Es mi enfoque creativo de todo, desde cómo me visto hasta cómo amueblo nuestra casa, pasando por cómo dibujo o escribo. Intento contar mi historia de la forma más limpia y sencilla. Creo que esa experiencia temprana me enseñó a ver las cosas de otra manera.

Eso me ayudó a desarrollar un ojo para la tipografía. Estudié cómo se colocaban y utilizaban los tipos. Hace años, los tipos se colocaban y se especificaba el tamaño y el interlineado. Y tenías que estar muy cerca la primera vez porque si no, casi volvías a empezar. Recuerdo que cuando el mundo pasó de la composición tipográfica a la composición en un Mac, al principio pensé que los Mac escribían mal. Eso no era cierto, pero a través de los valores por defecto en un Mac alguien con poca o ninguna habilidad tipográfica podría establecer un tipo pasable pero soso. ¿Cuántos documentos con letra Arial de 12 puntos ves? Pero eso también lleva a la gente a pensar que porque pueden comprar un Mac y la Suite de Adobe son artistas gráficos.

Imagino que hay otros ilustradores como usted que se preguntan cómo demonios se pasa de dibujar algo en papel o en pantalla a conseguir que funcione como fuente... ¿Cómo aprendió a hacerlo? ¿Y qué aconsejarías a los artistas que sienten curiosidad pero se sienten intimidados por la tecnología?

En algún momento aprendí a aprender. Soy autodidacta en lo que se refiere a la creación de fuente . Nunca he encontrado una clase para tomar en FontLab o Fontographer. Ojalá hubiera una en alguna parte. Empecé a usar Fontographer cuando salió y luego cambié a FontLab y ahora probablemente volveré a usar Fontographer de vez en cuando ya que ha sido actualizado. La curva de aprendizaje puede ser empinada si quieres hacer un buen fuente. Me gusta más dibujar en fuente que la parte técnica de la creación de fuente . Pero mi dulce marido es muy capaz técnicamente y me ayuda de vez en cuando. Siempre compro los tutoriales y manuales técnicos, los leo y los tengo cerca para consultarlos. Mi consejo para quien quiera hacer un fuente es que lo haga. Puede ser muy gratificante.

Muchos jóvenes diseñadores empiezan queriendo ser artistas plásticos, pero luego se dan cuenta de que se sienten más a gusto haciendo cosas con un propósito bien definido y se convierten en diseñadores gráficos o ilustradores. Parece que se sintió atraído inmediatamente por el arte comercial, ¿se debió a una mentalidad especialmente práctica?

Podría haber sido artista. A lo largo de los años he pintado en de descuento . Alguien, probablemente mi padre, me hizo pensar en la posibilidad de ser artista y, al mismo tiempo, poder mantenerme. Recuerdo que pensé que si elegía ser artista probablemente también tendría que enseñar. La verdad es que no quería dar clases (aunque hace poco fui profesora invitada de diseño en fuente y no me disgustó).

Así que si ser práctico es poder ser creativo y no tener un trabajo en el que preguntas a la gente si quiere patatas fritas con eso, entonces supongo que fui práctico. Yo pregunto a los jóvenes que quieren ser grandes artistas cómo piensan comer. Los artistas necesitan ganar dinero para poder permitirse viajar y ver mundo. Tienen que poder ir a grandes museos, sentarse en pequeños cafés de París, ver que el mundo es un lugar más grande.

La mayoría de sus fuentes tienen un aire artesanal. ¿Dibuja todo a mano antes de digitalizarlo? ¿Cómo es tu método de producción?

Sólo he hecho un fuente que no haya dibujado a mano. Me costó mucho pasar de trabajar a mano al ordenador hasta que se me ocurrió que podía dibujar y escanear cosas para mantener la misma sensación, que es importante en mi trabajo. Mi fuente Dearest John, por ejemplo, nació porque necesitaba una nueva cabecera para mi blog/página web, así que le puse letras. Me gustó tanto que dibujé el resto.

Antes de dedicarse al diseño tipográfico, trabajó como director de arte y publicidad. ¿Cómo era eso? ¿Trabajaba en una agencia? ¿Echa de menos ese tipo de trabajo? ¿El proceso de grupo?

Nunca trabajé en una agencia de publicidad, pero sí dirigí dos departamentos artísticos internos. El primero fue Seiferts, un grupo de 250 tiendas de ropa femenina. Luego hice el mismo tipo de trabajo en Frontier Herbs, una empresa de hierbas, especias, café y té orgánicos en el campo, en 60 acres orgánicos. En ambos casos, con el tiempo acabé dirigiendo a personas en lugar de hacer el trabajo que me gustaba. Siempre preferí llevar un proyecto desde el concepto hasta la ejecución. Eso me llevó a trabajar por cuenta propia, que se convirtió en diseño tipográfico.

Descubrí Fontographer poco después de pasarme al Mac. En mayo de 1998 gané una mención honorífica en el concurso de diseño tipográfico de U&lcen la categoría de imagen con mi fuente Doodles. Y eso fue todo, se abrió ante mí todo un mundo nuevo.

Aunque soy muy feliz trabajando sola desde casa, echo de menos a esa persona en la mesa de al lado cuando te atascas o simplemente quieres otra opinión. Acabo de crear un grupo de café con otros tres artistas gráficos para poder tener ese tipo de interacción.

Muchas de sus series fotográficas rezuman una tremenda sensación de diversión. ¿Qué cosas le inspiran?

Paso la mayor parte del tiempo viviendo en mi cabeza. Así que siempre estoy pensando, mirando, absorbiendo. Hace poco nos mudamos a una ciudad que me encanta, Madison, Wisconsin. Es una ciudad creativa y universitaria, así que hay una buena energía. Creo que vivir en un buen sitio me ayuda a ser creativa.

Vivimos en un antiguo barrio hippie en un condominio junto al lago que aceché durante 20 años. Hay un montón de casitas dulces aquí que me hicieron decidirme a hacer House Doodles. Era un poco espeluznante merodear por mi barrio de madrugada haciendo fotos de las casas de la gente. A veces, mi pobre marido conducía el coche de huida.

Por mucho que me guste vivir en mi cabeza, viajar me ayuda mucho a inspirarme. Llevo una cámara diminuta en el bolso desde mucho antes de tener un iPhone para poder grabar fragmentos de cualquier cosa.

Fuimos a París hace varios años y sabía que sería un viaje que me cambiaría la vida (una vidente me dijo que allí tendría tres vidas felices). Sabía que haría algo creativo, así que me llevé bolígrafos, papel y acuarelas con la idea romántica de que me pasaría las tardes sentada en los cafés de las aceras pintando. Pero me quedé prendada de los balcones de hierro forjado que veía por todas partes. Así que hice fotos que a su vez inspiraron Fleurons of Paris y Ornaments of Paris, y más tarde Paris Doodles.

Hago fuentes que creo que no existen. Intento pensar en cómo se utilizará un fuente ... Hice Frames & Borders porque siempre odié tener que parar en mitad de un trabajo para dibujar un borde. Y quería ese aspecto de dibujo a mano, no de clipart. Supongo que otras personas también lo querían.

También escribo en el blog casi todos los días... eso me mantiene alerta. Es divertido tener un lugar donde hablar del desorden de mi cabeza.

Su alfabeto fuentes es muy variado. ¿Tiene algún estilo o género favorito, histórico o contemporáneo?

Es como preguntarme cuál es mi libro favorito. Me gusta cualquier fuentes que esté bien diseñado. Eso significa que me gusta la Helvética. Me gusta fuentes que, cuando lo miro, me hace desear haber hecho yo ese fuente. Supongo que me atraen todas las cosas escritas a mano. Y casi todo mi trabajo está dibujado a mano. Siempre intento ser diferente. Tengo un nuevo pincel fuente en la cabeza con un toque ligeramente diferente.

El estilo que utiliza en sus cuadros fuentes y muestras sería perfecto para ilustraciones a gran escala, portadas de libros, incluso pinturas murales para tiendas o cafeterías. ¿Tiene alguna ambición incumplida en ese sentido? ¿O alguna que le gustaría compartir?

En realidad, cuando dirigía el departamento artístico interno de Seiferts, hice muchos carteles gráficos de gran tamaño para escaparates a lo largo de los años. Se nos ocurría un tema para esa temporada o colección y mis empleados o yo misma creábamos los carteles de 3'x4'. Me encantaban porque te daban una paleta de colores, un tema y una frase. Siempre empezaba los carteles estudiando detenidamente los catálogos tipográficos, luego hacía que el peso y la sensación del gráfico repitieran el peso y la línea de fuente. Después añadía el color. Me encantaba hacer esos carteles porque parecían puro diseño, eran grandes y estaban llenos de tipos y colores. Ese tema se extendió por toda la tienda. Fue emocionante ver una tienda luminosa y bien decorada, llena de mi trabajo.

A través de su fuentes, sus dibujos y alfabetos se han convertido ahora en herramientas para que otros diseñadores realicen bellos trabajos y destaquen. ¿Consigue ver muchos de los trabajos que la gente hace con su fuentes? ¿Alguna sorpresa maravillosa o extraña?

Ojalá pudiera ver más obras mías en uso, pero no es así. Las personas que han comprado recientemente mi fuentes viven en Austria, Australia, Finlandia, Países Bajos, Bolivia, Reino Unido, Nueva Zelanda, Israel, Japón, Bélgica y Estados Unidos. De vez en cuando veo algo en Internet.

Nada me gustaría más que ir a París y ver allí algo con uno de mis fuentes de París.

Al haber sido director artístico, imagino que pasó bastante tiempo ojeando catálogos y sitios web en busca de fuentes y otros componentes visuales. fuente ¿Sigue navegando a veces por sitios como MyFonts ? ¿Cuáles son sus impresiones sobre el panorama tipográfico actual?

Por supuesto. Siempre estoy visitando MyFonts. Y siempre encuentro algo nuevo y emocionante. La aparición de Fontographer y el Mac ha hecho posible que cualquier persona con conocimientos tipográficos se convierta en diseñador independiente en fuente . Me parece maravilloso. Recuerdo el día en que conocía los nombres de casi todos los fuentes que veía. Ese día ya pasó. En este caso, más es mejor.

¿Cuáles diría que son los principales cambios que ha observado en la forma en que se utilizan las ilustraciones y las imágenes prediseñadas en el diseño comercial y editorial?

Corren tiempos difíciles. Los clientes parecen tener menos dinero. Recuerdo cuando, para un trabajo, escribía a mano un tipo de letra o hacía una ilustración puntual. Creo que ahora los diseñadores confían en que un precio razonable de fuente lo haga por ellos. Por eso creé los marcos y bordes fuentes. Mis imágenes prediseñadas fuentes cuestan 29 dólares y siempre contienen 30 o más imágenes. Creo que es un buen precio y, en general, asequible para el cliente.

¿Le gusta estar en activo en el siglo XXI o preferiría haber estado trabajando, por ejemplo, en Nueva York en los años 50-60, durante el apogeo de la ilustración?

Bueno, una vidente me dijo que era una artista en París en el siglo XIX. Seguro que fue interesante... También me fascinan las biblias escritas a mano por monjes... Pero la verdad es que ahora mismo estoy bastante contenta con mi vida creativa.

Muchas gracias. Nosotros también nos alegramos de que esté aquí.